УРОК №2 - Студия рисования «Живописец»
+7 (910) 798-74-81 г. Нижний Новгород, ул. Кожевенная, 1А

УРОК №2

Анализируя композиционное построение натюрморта Шардена, я далек от мысли сводить его к схеме и, конечно, не смею утверждать, что композиционная мысль Шардена шла именно так, как здесь изложено. Это сделано только для того, чтобы начинающий : писать с натуры задумался о том, что простые кухонные предметы, случайно лежащие на столе и даже написанные верно по живописи,— еще не все и холст этот не есть художественное произведение.

Натюрморт надо составлять так, чтобы он был интересен, представлял собой нечто цельное, законченное. Единственный способ развить в себе композиционное чутье — это анализировать шедевры русского и мирового искусства, почаще задумываться, почему то или иное произведение так волнует, и отыскивать причины его воздействия на человека.

Я предвижу с вашей стороны вопрос: имел ли Шарден заранее обдуманное намерение скомпоновать этот натюрморт в треугольнике. Думаю, что вряд ли. По-моему, выбранные им предметы по разнообразию масштабов и форм неизбежно привели его к такой композиционной схеме. Выбери он другие предметы, они привели бы его к другой схеме, но все равно определенная закономерность была бы достигнута.

Нет ни одного великого произведения живописи, в котором выбор предметов и их размещение не подчинялись бы определенным законам, не способствовали бы раскрытию замысла художника.

Можно сказать, что художественное произведение, совершенное по краскам и выполнению, имеет внутри себя композиционный каркас.

В процессе работы художник, постигая законы, расходует много красок, прежде чем его рука сумеет верно отражать видимый им мир. Иногда он, не имея пособия по живописи и не зная ее закономерностей, долго бьется над тем, что мог бы подсказать ему опытный мастер.

Видеть, знать и уметь — это три ступени познания внешнего мира: от непосредственного наблюдения — к обобщению и от него — к практике.

Что же такое «уметь видеть»? Чтобы понять это, поделюсь с вами своим опытом. Начиная заниматься живописью, художник обычно не умеет видеть. Он старается прилежно копировать види¬мое, старается по возможности списать натуру. И все же у него не получается то, что мы видим у больших художников в музеях. Там живое, интересное, заставляющее любоваться мягкостью линий, свежестью и гармонией красочных сочетаний. У начинающих художников что-то серое, нудное и скучное. Отчего так?

Может быть, это происходит оттого, что они — таланты, а неопытный художник — бездарность? Бывает, конечно, и так, но главное оттого, что он не прошел школы живописи. Живопись — такой же трудный вид искусства, как театр, опера, балет. Чтобы стать певцом, надо долгое время учиться, «поставить голос»; чтобы стать художником, надо «поставить глаз», то есть пройти школу живописи. Владеть искусством живописи — это значит уметь изображать реальный предмет любой формы, разного цвета и материала, в любом пространстве. Зададим себе вопрос: «Почему мы один предмет видим ближе, другой дальше?» Очевидно, потому, что предметы, находящиеся на разном расстоянии от источника света, освещены с различной силой. Кроме того, предметы, расположенные дальше перво-планных, окрашиваются голубизной пространства, они менее четки по очертаниям.

Таким образом, кроме законов линейной перспективы, существуют законы светосилы и воздушной перспективы. Я напоминаю эти всем известные истины только для того, чтобы произнести слова «различие», «разница», имеющие большое значение для живописи.

В природе в большинстве случаев все мягко, переходы светотени постепенны, иногда еле уловимы, но глаз художника не в состоянии сразу уловить все тонкости; он видит только четко выраженные грани. Для примера сомнем лист чистой бумаги и бросим его на стол.

Он будет представлять собой множество неправильных граней, и каждая из них в зависимости от расстояния до источника света или поворота к нему будет неодинаково освещена. Если вы попробуете сравнить силу света одной грани с другой, то вы не найдете ни одной одинаково освещенной. Значит, для того чтобы изобразить целое, надо беспрерывно сравнивать одно с другим и выяснять их различия. Выявляя форму, рисуя с тушевкой или одним цветом {при вернейшем рисунке), надо непрерывно находить различие сил света в полутени и в свету. Первый закон живописи — точное соотношение сил света в освещенной части предмета, в полутени и тени, соотношение между светом и тенью.

В практике нашей работы это называется найти тональные соотношения. Умение точно владеть ими — первое необходимое условие для каждого художника. Недобор в отношениях света к тени вызовет вялость, перебор — грубость. Овладеть тональными отношениями — это значит овладеть одноцветной живописью.

Неопытным художникам очень полезно начинать писать одним цветом — акварелью или маслом. Для живописи одним цветом лучше пользоваться такими красками, как умбра натуральная или жженая, марс коричневый, и избегать ярких красок, вроде лазури, ультрамарина, краплака и других. История искусства показывает нам множество примеров блестящего решения одноцветной живописи.

Неизмеримо вырастают трудности, когда художник от одноцветной живописи переходит к многоцветной. Характерной особенностью живописи является многостороннее использование цвета. Необходимо овладеть искусством писать предметы в любом пространстве, разного цвета, при любом освещении, при нескольких источниках света, при обилии рефлексов.

Хочу добавить: не срисовывайте с открыток и фотографий, как бы ни были они красивы. Рисуйте только с натуры. Самые простые и несложные сюжеты: стакан воды, чайник, цветок, фрукты, отдыхающие животные, вид из окна — будут приучать ваш глаз «видеть» натуру, анализировать и обобщать ее форму, повышать ваше исполнительское мастерство и развивать художественный вкус.

Итак, мы имеем следующие предметы: медный котелок, темно-зеленую бутыль, глиняную посуду, два белых яйца, два желто-зеленоватых с румянцем яблока и светло-зеленый лук-порей. Все это лежит на столе, на фоне серой стены. Мы скомпоновали (при некоторой «помощи» Шардена) и нарисовали самостоятельно. Предположим, все готово, чтобы начать писать.

Предвижу вопросы: как следует рисовать углем, тушуя предметы для выявления (при помощи светотени) объема формы или обрисовывать только контуры; на холсте, на бумаге или на картоне: какого цвета должен быть холст — белый или тонированный; как нужно загрунтовать холст, картон или бумагу.

Начиная учиться живописи, воспользуйтесь простыми материалами. Подрамник можно сделать самому или заказать столяру. Холстину желательно достать льняную, но можно и полульняную. Затем натянуть холст на подрамник и загрунтовать его.

(ниже описывается достаточно старый способ грунтовки холста, сейчас используются акриловые готовые грунты)

Самое сложное — дать рецепт грунта, ибо рецептов много. В данном случае, думается, целесообразнее порекомендовать наиболее простой состав грунта.

Возьмите столярный клей и сделайте из него проклейку. Для определения крепости проклейки можно применить простейший способ, которым обычно пользуются мастера, выполняющие театральные декорации. Приготовляя проклейку, они берут пробу клея следующим способом: смазывают слегка ладонь проклейкой, прикладывают к ней ладонь другой руки и держат так несколько секунд. Если, раздвигая ладони, получите очень крепкий отлип, значит надо добавить горячей воды; если, наоборот, очень легкий — не хватает клея. Когда отлип будет мягким, но в то же время вязким — клей готов. Невозможно дать точные пропорции воды и клея, так как разный столярный клей требует различного количества воды.

Прежде чем начать грунтовать холст, его необходимо натянуть на подрамник. Натянутый на подрамник холст положите на стол или на пол (он обязательно должен быть в горизонтальном положении, чтобы было удобнее равномерно распределять грунт по поверхности).

Сначала покройте холст одной проклейкой, сняв при этом ее излишек деревянным шпателем или мастихином. Делается это для того, чтобы, закрывая поры холста, не нарушить его фактуру. Когда холст с проклейкой высохнет, отшлифуйте неровности пемзой.

Затем для получения грунта к клею надо добавить тертого мела столько, чтобы получилась масса, по густоте напоминающая сливки. Для придания грунту эластичности обычно в грунт добавляют небольшое количество глицерина. Такова самая простейшая смесь для грунта.

На проклеенный холст самой широкой кистью или волосяной щеткой наносится грунт. Излишек грунта также снимается шпателем или деревянным мастихином, после чего он должен хорошо высохнуть. Потом на первый слой грунта можно нанести грунт еще раз. Опыт вам покажет, достаточно ли проделать это дважды или, может быть, придется покрывать холст грунтом три раза. Старайтесь крыть не густо, чтобы фактура холста все же чувствовалась, «не забивалась» грунтом.

Теперь подготовим другие необходимые для работы принадлежности.

Первое время для работы дома обойдемся без этюдника и палитры, когда будем писать пейзажи с натуры, приобретем эти предметы. А пока сделаем палитру сами: возьмем кусок стекла, подклеим к нему снизу белую бумагу — вот вам и превосходная палитра! Я советую иметь белую палитру, так как на ней легче выявить яркие и светлые тона живописи. Палитру кладем на стул перед холстом. Для начала возьмем следующие краски: белила цинковые, кадмий желтый или хром (хром только в крайнем случае), кадмий красный, краплак, кобальт или ультрамарин, слоновую кость жженую или сажу, охру светлую, охру красную, волконскоит.

Это «бедная» палитра красок, но вполне достаточная, чтобы начинать писать. Перечень красок «богатой» палитры я не буду приводить, так как имеются специальные руководства с огромным списком прочных красок. Познакомьтесь с ними и, если хотите, приобретите более разнообразный набор.

При работе масляными красками надо иметь несколько щетинных кистей разных размеров и несколько колонковых для выписывания деталей.

На первое время этого вполне достаточно.

Когда все подготовлено, нарисуйте углем на холсте то, что вы хотите изобразить,— в данном случае натюрморт. Рисуйте со светотенью, как будто бы вы задались целью сделать самостоятельный рисунок на холсте. Это имеет большое значение, так как рисунок становится точным только тогда, когда проанализирована объемная форма предмета. Ну, а дальше? Может быть, уголь надо закрепить? Многие так и делают, но я бы рекомендовал такой способ, который, по моему мнению, будет способствовать более храброму обращению с подмалевком, позволит свободно распоряжаться переливами красок, не боясь «сбить рисунок». Для этого, после того как рисунок углем готов, обведите тушью, по возможности аккуратно и точно, внешние контуры, а затем смахните весь уголь с белого холста чистой тряпкой. Останется четкий контур натюрморта. Этот контур к моменту окончания работы должен быть записан.

Переходим к технике письма. Постараюсь рассказать об этом наиболее просто. После того как на холсте будет выполнен рисунок, приступаем к подмалевку. Подмалевок — это наиболее выгодная подкраска холста с расчетом на последующее письмо. Но все же надо стремиться писать так, как будто вам не придется проходиться по подмалевку второй раз и потом третий. Конечно, вы, возможно, будете прописывать четвертый и пятый, а может быть, двадцать пятый раз, но стремиться к совершенству необходимо. Пусть сначала ничего не выйдет — неважно; надо работать упорно и настойчиво, пока не добьетесь успеха. Подмалевывать необходимо не густо, пользуясь для разведения красок так называемым «тройником». Состоит он из равных частей скипидара, масла и лака. Когда вы приобретете опыт, содержание какого-либо из этих компонентов в зависимости от потребности можно уменьшать или увеличивать. Вначале, когда все так трудно и сложно, лучше последовательно прокрасить, подма¬левать весь холст. Вы спросите: «А может быть, лучше сразу обрабатывать отдельные части натюрморта, то есть «закончить», скажем, сегодня один кусочек холста, а завтра — другой и так далее? Глядишь, и... готова картина!» Ах, если бы вы так смогли! Это было бы идеально. Не пришлось бы бороться с жухлостью — известной болезнью масляной живописи. Но беда в том, что такой способ доступен только очень большому мастеру с огромным опытом. К сожалению, начинающие художники не могут так обучаться живописи, и вот почему: им необходимо учиться брать точно соотношение тонов всего холста живописи. То, что мастер имеет благодаря своему опыту, начинающий художник будет приобретать постепенно, совершенствуясь в живописи, стремясь к цельности воспроизведения видимого. Сначала будет неправильная форма, неточная живопись, сбитый рисунок и едва заметное стремление к единству целого, но по мере занятий живописью художник из года в год будет совершенствовать мастерство, и живопись станет более точной.

Какие же краски надо смешивать, чтобы изображать видимое? Этому трудно научить, пробуйте сами. Делайте разные комбинации, но не мешайте больше трех красок, не считая белил. Вот вы видите какой-то тон. Возможно, его лучше написать красками в. таком сочетании: охра, кобальт, краплак, а может быть, больше подойдет волконскоит, краплак и еще какая-либо краска. Это дело вкуса и практики.

В процессе работы будут встречаться огромные технические за¬труднения следующего характера. Писать можно только по сырому или только по сухому, но ни в коем случае не по полусухому. Это бывает иногда трудно установить. Кажется, что высохло, а на самом деле нет. Дело в том, что масляная живопись при высыхании покрывается пленкой. Попробуешь пальцем — как будто сухое, не пачкается, но под пленкой лежит непросохшая краска. Неопытный художник начинает писать сверху, и через некоторое время видит, что его живопись потеряла блеск, пожухла. В чем дело? Он писал на пленке, она втянула в себя масло, верхний слой не соединился с нижним. Что же в этом случае делать? Если место неудачно написано, следует острым лезвием безопасной бритвы легко, как бы полируя, снять замазку до сухого слоя, не задевая грунта холста, и снова переписать. Это самый лучший способ. Если же место удачно написано и жалко скоблить, то можно осторожно приколоть булавками марлю к тому месту, которое надо дописать, затем налить в стаканчик немного нашатыря, окунуть в него кисть и смачивать нашатырем марлю, пока он не растворит пленку *. Затем марля снимается. Под ней оказывается посветлевшее пятно, но не смущайтесь этим: через некоторое время краски примут свой первоначальный цвет. Если место, которое вы хотите переписать, совсем высохло, то рекомендую для связи с нижним слоем протереть его чесноком или луком. Когда окончите этюд, дайте ему просохнуть и затем покройте лаком. Теперь поведем нашу работу дальше. Перед нами на холсте нарисованный тушью натюрморт (рис. 63).

масляная живопись Урок 2

* Нашатырным спиртом следует пользоваться с большой осторожностью, так как он может повлиять на прочность красочного слоя. Многие художники в своей практике предпочитают употреблять для этой цели уайт-спирит и скипидар.

Укрась свою жизнь - рисуй с нами! Запись по телефону: +7 (910) 798-74-81
^ Наверх